Hull, sconosciuta città inglese di 300.000 abitanti, viene alla ribalta della scena rock agli inizi del 1986, per via di quattro giovani musicisti locali che, nel loro album d'esordio, ne tessono ironicamente le lodi, in contrapposizione con la capitale Londra.
Il fluire poetico del musicista scozzese James Yorkston, in perenne bilico tra Nick Drake e Syd Barrett, non poteva trovare miglior culla di quella cucita dalle abili architetture folk-jazz di Jon Thorne e dal magico suono del sarangi di Suhail Yusuf Khan. La festa di colori e suoni, a volte atonali, di "Everything Sacred", ha difatti certificato l'esistenza di un nuovo concetto di world music, dando forma a un idioma stilistico in cui i linguaggi perdono parte della matrice etnica per sposare inediti profili di bellezza lirica.
Il perfetto amalgama dei tre musicisti si evince già dal titolo del nuovo album "Neuk Wight Delhi All Stars", che nel ribadire il legame con gli eterogenei luoghi d'origine evidenzia in converso la forza espressiva dell'insieme, che trova la sua più aulica manifestazione nei quindici minuti abbondanti di "Halleluwah", che scorre tra furore ed estemporaneità strumentali di eccellente e raffinata fattura.
Yorkston, Thorne e Khan evitano ancora una volta le secche di una fusion dai toni concilianti, esplorando quel territorio al confine tra jazz e folk che già Pentangle e Incredible String Band esaltarono a forma d'arte.
Ci sono altresì curiose assonanze tra l'introduttiva "Chori, Chori" e la famosa "Suite: Judy Blue Eyes" di CS&N, similitudini che permettono di osservare la musica del trio da un punto di vista diverso da quello più banale e prevedibile dell'etno-folk. C'è una maggiore attenzione al canto in "Neuk Wight Delhi All Stars", quasi a sottolineare la sofferenza e la fragilità umana. Le canzoni sono ingenue e delicate ("Bales"), o stranamente ricche di armonie ("The Blue Of The Thistle") al punto da evocare il raffinato romanticismo di Peter Gabriel, fino a lambire vertici poetici di rara intensità in "The Blues You Sang", stupenda ballata folk cantata a più voci, che trascende i confini espressivi con una potenza lirica che solo Robert Wyatt è riuscito a riproporre con continuità.
Non è un album facile, il nuovo di Yorkston, Thorne e Khan. Il canto solitario di "Jaldhar Kedara (Wedding Song)" e la trance armonica di "Recruited Collier" quasi confondono le acque, lasciando alle sinergie pastorali e psichedeliche di "False True Piya" e "Saarang/Just A Bloke" le esternazioni più mesmeriche e spirituali di un'affascinante fusione tra Oriente e Occidente.
1934: Nasce a Westmount, in Canada, Leonard Cohen, cantautore, scrittore e poeta. Morirà il 7 novembre 2016.
1947: Nasce a Gaineswville, Florida, USA, Don Felder, chitarrista degli Eagles.
1951: Nasce a Genova Ivano Fossati, cantautore e polistrumentista, già nei Delirium, poi solista.
1987: Muore Jaco Pastorius bassista degli Weather Report, session man e solista. Era nato con il nome di John Francis Anthony Pastorius III a Norristown, Pennsylvania, USA, l'1 dicembre del 1951.
2011: Con un comunicato sul proprio sito web i R.E.M. annunciano la fine della loro attività.
Un passo dopo l'altro. Flettersi e distendersi. Il ritmo del respiro che cerca il suo equilibrio, con la lentezza di un fluire ipnotico. Il moto meccanico del corpo, il libero spaziare della mente.
Ha fatto un lungo cammino, Chris Bathgate. Ha attraversato il silenzio dei boschi e la voce dei propri pensieri. Il suo ultimo album, "Salt Year", risaliva ormai al 2011. Poi, l'anno scorso, lo schivo riaffacciarsi con l'Ep "Old Factory". Ed ora, finalmente, il ritorno vero e proprio: perché le canzoni del songwriter americano sono fatte della stoffa preziosa delle cose per cui vale ancora la pena attendere.
"As my footsteps start to fade/ How my thoughts they drift away", annuncia "Northern Country Trail", il brano chiamato ad anticipare il nuovo disco. Perdersi. Scomparire. È questo che Bathgate ha cercato lungo il percorso, e "Dizzy Seas" ne porta l'eco in ogni nota. Contorni impalpabili come le macchie di Rorschach della copertina, paesaggi atmosferici come il trascolare di un sogno ad occhi aperti: "Vorrei che la mente di chi ascolta potesse vagare liberamente durante una canzone".
L'essenza è fatta sempre della materia prima del folk, come insegna il lirismo antico del fiddle di "Water". Ma quel palpitare sottile che freme sottopelle, quello spaziare liquido che abbraccia il suono appartengono a una dimensione più onirica: "Sometimes my thoughts/ Are like lights on the water".
Come un Bon Iver che non dimentica le proprie radici, il Bathgate di "Dizzy Seas" si immerge allora nel viaggio per lasciarsi trasportare lontano.
Il banjo di "O(h)m" apre le porte a una danza dal sapore agreste, con la memoria del tempo degli esordi, delle pagine di "Throatsleep". Il riff elettrico che scandisce l'incedere deciso di "Beg" rimanda all'Americana di "Salt Year" e "A Cork Tale Wake". Poi, però, ecco "Hide" fluttuare sospesa, dilatarsi a mezz'aria sospinta dalle correnti del rimpianto: "All my wasted days come back to me/ Every hour, broken and dour, returns".
In una traiettoria così personale, non è un caso che l'unico elemento estraneo finisca per suonare anche quello meno calzante, lasciando nell'incertezza la collaborazione con il compagno di etichetta Tunde Olaniran in "Low Hey".
È un bisogno di orizzonte a spingere Bathgate. "A un certo punto ho cominciato a sentirmi sempre più a disagio quando mi trovavo al chiuso", racconta. "Non sopportavo più l'idea di avere un tetto sopra la testa". Ci sono cose che solo il respiro degli spazi aperti può custodire. "All the breathing of the night/ All the shifting of the lights/ All I need now is a sign", implora "Beg".
L'imponenza della natura e della solitudine permea ogni brano: la traccia di un sentiero nella foresta, come nel video che accompagna "Northern Country Trail"; lo scintillio dell'acqua increspata dal vento, come nei versi di "Come To The Sea"; una chitarra dai fili d'argento che tesse i suoi intarsi.
Non basta un ascolto distratto per apprezzare la ricchezza della trama di "Dizzy Seas". Ancora una volta, le stratificazioni dei brani di Bathgate chiedono di andare oltre la superficie, dalle spirali della title track alla chitarra nervosa di "Tintype Crisis", fino al soffuso epilogo di "Nicosia". Chiedono di lasciarsi andare, di guardarsi dentro. Di camminare nella notte con gli occhi pieni di domande: "How strange is the night?/ How strange is my time?/ How strange am I?".
1934: Nasce a Liverpool, UK, Brian Samuel Epstein, scopritore e manager dei Beatles. Morirà il 27 agosto 1967
1941: Nasce a Baltimora, Maryland, USA, Ellen Naomi Cohen, in arte Cass Elliot, cantante, ovvero la Mama Cass dei Mamas and Papas. Morirà il 29 luglio 1974.
1951: Nasce a Hull, in Canada, Daniel Lanois, musicista e produttore.
1966: Nasce a Pordenone Mauro Teardo, in arte Teho Teardo, musicista e compositore di colonne sonore.
1981: Simon & Garfunkel si riuniscono e tengono un concerto gratuito al Central Park di New York, davanti a un pubblico stimato in mezzo milione di spettatori. Ne deriverà lo storico album 'The concert in Central Park'.
Siamo chiari sin da subito: un altro disco sulla falsariga di tutto quanto prodotto dai The National dopo l’immenso capolavoro “Boxer” non l’avremmo tollerato e perdonato né noi ascoltatori, né la band stessa, e questo nonostante l’amore ed il rispetto che la formazione di Cincinnati si è faticosamente conquistata a suon di lavori tutti tremendamente significativi.
Non stupisce, dunque, che la chiave di volta per evolvere quello stile inconfondibile che caratterizza il sound della band, dopo l’innesto dietro le quinte del violoncellista e polistrumentista Padma Newsome dei Clogs, sia l’uso dell’elettronica sulla falsariga di quanto fatto dai Sigur Ròs con il loro “Kveikur”, ma con risultati decisamente diversi.
Innanzitutto, qui non siamo nel caso dell’ispirazione statica da rinverdire con il classico (e, francamente, tremendamente prevedibile) “effetto speciale”, in quanto da dieci anni a questa parte i dischi dei The National, per quanto indistinguibili tra loro, sono tutti caratterizzati da una vibrante e consistente emozione conferita all’ascoltatore. Poi, in linea generale il risultato finale è che non sembra di essere di fronte ad un disco più moderno, anzi: “Sleep Well Beast” è un inciso che richiama, in più di un’occasione, la sabbiosa asciuttezza del blues del compianto Leonard Cohen.
E’ un fattore che si avverte potente nella meta-narrazione della title track o in “Walk It Back”, per non parlare della cavalcata chitarristica di Bryce Dessner su “Turtleneck”, uno dei brani più tirati (e punk nello spirito) mai composti dalla band.
Questo avvicinamento reverenziale a Cohen (avvertibile anche nell’uso dei cori femminili nel singolo “The System Only Dreams In Total Darkness” o “I’ll Destroy You” ed “Empire Line”, con la sua magnifica chiusa morbida e torbida come la più trasognante Julee Cruise), più sotterraneo e sottile rispetto al marcato uso dei synth, arricchisce in modo inedito la formula dei The National, rinfrescandola e rendendola ancora più interessante.
Il settimo inciso in carriera di Berninger & soci, difatti, si dimostra incredibilmente ricco. In tristezza, oscurità, malinconia e nichilismo (tanto quasi da far sembrare “High Violet” o “Trouble Will Find Me” dei dischi da pic-nic in una giornata di sole, e ce ne vuole), o in humor e in liriche dense e appiccicose (“Dark Side Of The Gym” è quel colpo di genio che il 95% delle band là fuori sogna di avere in carriera).
Persino quando la classica ballata alla The National pianoforte e sabbiato di batteria viene riproposta in “Carin At The Liquor Store”, il senso è quello di un confortevole ritorno a casa, piuttosto della noia derivata dall’ascolto di un brano prevedibile.
Tutto porta dunque ad un’unica, naturale conclusione: i The National partoriscono non solo uno dei dischi più belli di questo criminalmente intenso 2017 musicale, ma anche l’opera che li consacrerà definitivamente tra i grandi maestri della musica rock. E questo non per un clamoroso consenso generabile dalle canzoni del disco tale da coinvolgere e sconvolgere le masse, quanto piuttosto per una consistenza artistica rara e granitica che li porta, semplicemente, a non essere più ignorabili.
Nella storia della musica degli anni sessanta e settanta è difficile trovare un artista che più di Jim Morrison abbia saputo incarnare (e lasciarsi distruggere) la forza del rock. In appena sei anni di attività musicale, James Douglas Morrison ha spiegato al mondo cosa vuol dire essere una rockstar.
Il suo spirito, dopo la morte precoce a soli 27 anni, ha continuato ad attirare l’attenzione di fan in tutto il mondo, tanto che oggi: i suoi video su YouTube vengono visualizzati da milioni di utenti; dopo la sua morte sono stati pubblicati più di 20 album, tra raccolte, live e inediti; e gli appassionati di musica ogni anno raggiungono la sua tomba nel cimitero parigino di Père Lachaise, “il cimitero degli artisti“, per rendergli omaggio.
Oggi in particolare è un’occasione importante per ricordare Jim e i Doors visto che, esattamente cinquant’anni fa, usciva il loro primo album, omonimo: il 4 gennaio 1967. Per l’occasione questo giorno diventerà il “Day of the Doors” e vicino a Venice Beach, a Los Angeles, si sono dati appuntamento il chitarrista Robby Krieger, il batterista John Densmore e i familiari dei due altri componenti scomparsi, Morrison e Manzarek, per festeggiare il compleanno della band.
Una delle chiavi per capire la “filosofia” del gruppo si trova nella scelta del nome. I componenti, prima che in saletta, si erano conosciuti a una lezione di meditazione trascendentale e quando decisero di mettere in piedi una band fu Jim a decidere il nome, rifacendosi al titolo di un saggio di Aldous Huxley, “Le porte della percezione” (The Doors of Perception). All’interno del libro è contenuta anche una citazione del sommo poeta londinese William Blake che recita: “Se le porte della percezione fossero purificate, ogni cosa apparirebbe all’uomo com’è: infinita“.
La preparazione culturale della band spaziava dalla letteratura antica a quella simbolista, da Nietzsche all’antropologia. Allo stesso modo, le contaminazioni musicali erano molte: Bach, il jazz, e poi il flamenco, la musica indiana. Il grande talento di Morrison si è espresso anche nel gestire questi musicisti così diversi e nel trovare un perfetto equilibrio. Sintesi magnifica che si può ascoltare nel loro primo album, un capolavoro: l’omonimo The Doors.
L’album raggiunse il secondo posto in classifica e si aggiudicò un disco d’oro. Un successo incredibile per una band esordiente. A rendere eccezionale l’album, oltre alla musica, sono anche i testi di Morrison. Nessuno prima di lui aveva portato componimenti del genere su un palco rock.
A rendere unici i Doors furono anche i live incendiari. Jim sul palco si trasformava in uno sciamano che metteva in scena riti tribali, erotici ed esoterici. Il pubblico era estasiato, sentendosi fisicamente parte di un’unica famiglia. Quella del rock, nella sua forma più primitiva.
I Doors, nell’ottobre dello stesso anno, pubblicarono un secondo album, Strange Days. La band mantenne le promesse del primo e sfornò un disco colmo di canzoni straordinarie che saranno ascoltate fino allo sfinimento dalle generazioni successive.
Nel seguente album, Waiting for the Sun, mancano i singoli di successo, perfetti dal punto di vista commerciale, che avevano contraddistinto la prima opera, come ad esempio, “Light my fire“. Qui si sperimenta di più.
Si possono ascoltare pezzi originali, e inediti per la band, che raccontano il loro ricco sostrato musicale. Come la passione per il flamenco del chitarrista del gruppo.
Anche gli album che seguirono mancarono di omogeneità regalando comunque pezzi che diventeranno classici del rock. Nel 1969 in The Soft Parade spicca, ad esempio, la bellissima “Touch me”. Da segnalare anche l’aggiunta di un’orchestra e di strumenti a fiato.
L’album non raggiunse il successo sperato e così i Doors fecero un passo indietro tornando al suono più grezzo e acido. All’interno del notevole Morrison Hotel si trova uno dei loro pezzi più belli.
Ed è proprio alle radici del rock, la musica blues, che i Doors termineranno il loro viaggio nel 1971 con l’album L.A. Woman. Resta oggi il loro testamento spirituale, visto che alcuni mesi dopo Morrison morì in circostanze misteriose a Parigi. Curioso resta ancora oggi il fatto che prima di morire Morrison avesse rilasciato un’intervista in cui sembrava spiegare chi erano stati i Doors. Parlando al passato, ma con uno sguardo rivolto al futuro. “Per me non si è mai trattato di un’esibizione. Era una questione di vita e di morte, un tentativo di comunicare, di coinvolgere molte persone nel privato mondo del pensiero“.
