I 100 Album Jazz che hanno sconvolto il mondo #2 #1
Coltrane (ts, v), McCoy Tyner (p), Jimmy Garrison (b) and Elvin Jones (d). Rec. 1964
Non importa quante volte ti avvicini a questo album, è sempre maggiore della somma delle parti che compili. Sì, è perfetto, sì, è ambizioso, sì va oltre le solite concezioni jazz, sì è presentato come una suite di meditazioni in natura che gli conferiscono un design formale ben oltre il 99 percento degli album jazz. Sì, Coltrane suona come un uomo ispirato da qualcosa di più del lavoro immediatamente disponibile, così come gli altri tre musicisti coinvolti, e sì, i temi sono incessantemente sobri. Ma questo graffia solo la superficie del successo di questo album. Non si può mettere alla porta delle aspirazioni di Coltrane, perché le buone intenzioni spesso portano a disastri artistici nella musica come in ogni altra disciplina estetica, ma è possibile che il suo completo impegno per la sua testimonianza di rinascita spirituale sia felicemente coinciso con una giornata in studio in cui è stato davvero commosso ad aprire la sua anima attraverso il mezzo del suo sassofono, perché il suo modo di suonare in questo disco è quasi spaventosamente aperto, intenso e sconvolgente, anche quando sta semplicemente affermando un tema.
Questa è una parte molto potente dell'attrazione dell'album, così come la tensione della forma di ogni selezione, e deve anche spiegare la presa che ha magicamente sostenuto sugli ascoltatori che altrimenti si avventurano raramente in qualsiasi forma di jazz, inclusi i fan del rock progressivo di dalla fine degli anni '60 in poi. All'interno del jazz stesso, l'album ha assicurato che la musica non potesse più essere considerata un anche sociale o culturale, le preoccupazioni spirituali e umanistiche che ne costituivano l'ispirazione richiedevano che fosse trattata allo stesso modo delle massime creazioni dell'arte- musica di qualsiasi cultura. Niente potrebbe essere più lo stesso. Non lo è ancora. (KS)
Miles Davis (t), John Coltrane (ts), Cannonball Adderley (as), Wynton Kelly (p), Bill Evans (p), Paul Chambers (b) and Jimmy Cobb (d). Rec. 1959
Ashley Kahn, autrice di Kind of Blue: The Making of the Miles Davis Masterpiece, spiega perché Kind of Blue è in cima alla lista:
Come si misura correttamente l'impatto? Non c'è cratere fumante nel caso di Kind of Blue, il capolavoro malinconico e modal-jazz di Miles. Il disco del 1959 non è arrivato con un applauso fragoroso, eppure quattro decenni dopo, alla fine del millennio, eccolo in cima a tutte le liste "best of", mettendo da parte così tanti rock, pop e hip- registrazioni di luppolo.
Oggi c'è nelle colonne sonore di Hollywood, un incontestabile significante dell'anca. Lì è vicino alle vendite fino a raggiungere le 5.000 copie a settimana in tutto il mondo, superando la maggior parte delle registrazioni jazz contemporanee. E lì si trova in almeno cinque milioni di raccolte di CD. Spesso è l'unico titolo jazz di proprietà di un metallaro o di un appassionato di musica classica, non solo incentrato sul jazz.
Ma forse Kind of Blue si misura meglio dalla somma delle parti costituenti. Cinque brani, estremamente semplici nella costruzione, eccezionalmente profondi nel potere evocativo, interpretati da sette maestri del post-bop, tutti al loro apice. Una formazione irripetibile che fa sembrare inadeguato il termine "all-star": il trombettista Davis, più i sassofonisti John Coltrane e Cannonball Adderley, i pianisti Bill Evans e Wynton Kelly, il bassista Paul Chambers e il batterista Jimmy Cobb.
Certo, Kind of Blue deve essere misurato dall'influenza musicale. Chiedi a un numero qualsiasi di musicisti influenti che sono stati in giro, come Quincy Jones, Herbie Hancock e simili, sono tutti d'accordo. In un momento in cui la musica era "diventata densa", come disse Miles, Kind of Blue distillava il jazz moderno in un'essenza fresca e distaccata.
La motivazione alla base del passaggio "modale" nel mondo del jazz degli anni '50 era quella di rompere gli schemi armonici stabiliti (anche melodici) e lasciare il posto a un'improvvisazione fresca ed estesa. Miles ha avuto un notevole successo nello sposare gli opposti musicali: concetti classici del XX secolo come semplicità armonica, scale esotiche e ritmi africani, il tutto in un groove rilassato e oscillante.
Kind of Blue è diventato la bibbia dell'improvvisatore alla sua uscita alla fine del 1959. Per uno dei suoi creatori congiunti, John Coltrane, ha indicato la strada da seguire: ha guidato gran parte del mondo del jazz negli anni '60 dopo le sue lezioni di moda con Miles. Al fianco di Coltrane, il pianista McCoy Tyner ha adattato l'innovazione di Bill Evans dell'armonia quartale, l'uso delle quarte su "So What", a risultati leggendari.
Alla fine degli anni '60, l'idea modale divenne la base del jazz fusion. Si è rivelato lo stesso per un certo numero di gruppi rock, come gli Allman Brothers, i Grateful Dead e i Santana, che hanno usato la chitarra elettrica come strumento solista preferito e hanno fissato lo standard per generazioni di band orientate alla jam da seguire.
"Penso che le implicazioni di Kind of Blue ora si sentano ovunque, ma non erano così profonde come sono diventate nel tempo", afferma il sassofonista Dave Liebman. "Nominami della musica di cui non ne senti l'eco", sfida Herbie Hancock.
"Lo sento ovunque: diventa difficile separare la modalità che esiste nel rock 'n' roll, alcuni potrebbero essere direttamente da Kind of Blue".
Scrivere un libro con un focus ristretto come un album jazz (diciamo Kind of Blue) e, credetemi, si finisce per pensare e ripensare all'argomento anni dopo la pubblicazione. Le mie teorie sul perché quel particolare album di Miles mantenga la sua posizione in cima a varie classifiche non sembrano mai stabilirsi comodamente su una spiegazione. Sento che la classifica di un capolavoro musicale dovrebbe essere aperta a un costante ripensamento, anche se lo stato alla fine rimane lo stesso. Eppure, specialmente nella stampa mainstream, la musica scelta per quelle liste "migliore questo" e "più quello" si allinea semplicemente con una visione consolidata senza dubbi e poche spiegazioni.
Per questo motivo e per altri, non sono un fan delle prime 10 liste. O di 20, 100 o qualsiasi numero che metterebbe una registrazione prima dell'altra. Il valore e l'apprezzamento musicali sono una cosa troppo soggettiva per essere ordinata ordinatamente su una scala lineare. Esercizi unidimensionali come la creazione di elenchi sembrano particolarmente poco alla moda e poco rivelatori quando si tratta di jazz, la musica più porosa e democratica, aperta a tutte le influenze, che garantisce a tutti gli stili uguale valore e importanza. Almeno dal mio punto di vista.
Tra le tante idee che ho raccolto per il mio libro su Kind of Blue, c'è una citazione in particolare che mi viene in mente ogni volta che si pone l'argomento del valore relativo.
"Se ti piace Kind of Blue, giralo, guarda chi ci suona", dice il tastierista Ben Sidran. “Se ti piace particolarmente il pianoforte, vai a comprare un disco di Bill Evans, compra un disco di Wynton Kelly. Se ti piace suonare il contralto, compra un disco Cannonball Adderley. Quell'unico disco – non ha nemmeno sei gradi di separazione – è forse due gradi di separazione da ogni grande disco jazz”.
La mia introduzione a Kind of Blue è avvenuta nel 1976, un periodo in cui le mie orecchie da adolescente erano piene di rock post-Woodstock e le prime esplosioni di punk. Springsteen è stata una scoperta recente, così come Bob Marley. Un giorno un amico del cui gusto musicale mi fidavo implicitamente strattonò
I 100 album jazz che hanno sconvolto il mondo sono stati ideati e compilati da Jon Newey e Keith Shadwick con il contributo di Stuart Nicholson, Brian Priestley, Duncan Heining, Kevin Le Gendre, Charles Alexander e Tom Barlow per JazzWise
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